애니메이터에게 요구되는 스킬 및 지식

당신은 이제부터 애니메이션을 만들고 싶은 초보자인가요? 아니면 더 스킬업하고 싶은 경험자인가요?

이 애니메이션 제작에 대한 포괄적인 가이드에서는 제작 팁과 필요한 리소스 등 알아두면 좋을 내용을 소개합니다. 여러분이 애니메이션의 세계를 이해하는 데 도움이 될 것입니다!

우선 '애니메이션 12원칙' 등 기초 지식을 이해하는 것부터 시작해 보세요! 그 지식을 바탕으로 애니메이션을 만들 때 점차 고도의 기법을 써 보고 스킬업을 목표로 하면 좋습니다.

그리고 다른 크리에이터의 작품을 많이 보세요. 그러면 작품에 대한 영감이나 제작 과정 등 팁을 얻을 수 있습니다.

애니메이션 초보자를 위한 스킬 향상 팁

초보자에게 도움이 될 만한 몇 가지 스킬 향상 팁을 소개합니다.

①'애니메이션 12원칙'을 이해하고 익히는 것이 중요합니다. 애니메이터에게 널리 알려진 제작의 기본으로 '애니메이션 바이블'이라고도 불립니다.

②자신에게 맞는 애니메이션 스타일을 찾고 애니메이션 용어에 익숙해지세요.

③튀는 공, 낙하하는 벽돌, 걷는 캐릭터 애니메이션 등 제작 과정이 간단한 작품을 실제로 만들어 연습합시다.

④자신의 애니메이션 스타일에 알맞은 애니메이션 소프트웨어를 선택하세요.

애니메이션 소프트웨어에 대해 더 알고 싶다면 이 글도 참조하세요.
애니메이션 소프트웨어

⑤스킬 향상을 위해서는 꾸준한 학습과 습관화가 중요합니다. 일상적으로 만들어 보는 것은 물론, 예를 들어 학교 과제나 업무 프레젠테이션 등 콘텐츠를 보완하는 도구로 애니메이션을 사용하여 많이 만들어 봅시다.

이를 실천하면 애니메이션 스킬을 향상시켜 매력적인 작품을 제작할 수 있게 됩니다.

애니메이션 스킬 향상을 위한 구체적인 행동

애니메이션 스킬을 향상시키려면 꾸준한 연습이 필요합니다. 스킬 향상을 위한 방법으로 애니메이션 연습, 앱 사용, 튜토리얼 동영상 시청, 학습 코스 수강 등이 있습니다.

또한 볼이 튀거나 벽돌이 떨어지거나 캐릭터가 움직이는 애니메이션을 만들어 보는 것도 도움이 됩니다. 적은 컷 수로 만드는 간단한 움직임의 애니메이션이 초보자가 연습하기 좋습니다.

디지털 애니메이션 제작에는 소프트웨어를 사용합니다. 초보자에게 추천하는 소프트웨어로는 CLIP STUDIO PAINT, OpenToonz, Toon Boom Harmony, Synfig Studio, Adobe Animate, Adobe Character Animator, Visme, Pencil2D, Biteable, Animaker 등이 있습니다. 원하는 스타일에 맞게 최적의 기능을 사용할 수 있는 앱을 선택하세요.

제작 방법이나 소프트웨어 다루는 법에 대해 궁금한 점이 있으면 애니메이션 제작 튜토리얼을 시청하거나, 교육 기관 또는 온라인 스쿨 코스를 수강하는 것도 애니메이션 스킬을 향상시키는 데 도움이 됩니다.

인기 애니메이션 튜토리얼 사이트로는 CLIP STUDIO PAINT, Animator Island, Rusty Animator, Bloop Animation이 있습니다. 또한 CLIP STUDIO PAINT와 Adobe Animate는 유튜브에서 초보자 코스를 제공합니다.

정기적으로 연습하고 작품을 만들어 친구나 가족에게 자랑해 보세요! 다른 사람의 의견을 듣는 것도 애니메이션 스킬 향상에 좋습니다.

애니메이션에서 피해야 할 일반적인 실수는 무엇인가요?

애니메이션 제작 시 주의할 점은 다음과 같습니다. 이 기본 사항을 유념하여 애니메이션을 만드세요.

계획 단계 건너뛰기

대략적인 구성과 제작 과정을 계획한 다음 제작을 시작합니다. 무계획으로 제작을 진행하면 나중에 조정하는 데 시간이 걸리거나 작품의 일관성이 없어집니다.

캐릭터의 성격 및 감정과 얼굴 표정, 몸동작이 어울리지 않음

캐릭터의 표정과 동작은 그 성격과 감정을 표현합니다. 다양한 작품을 보고 반영하면 표현의 폭이 넓어질 것입니다.

부적절한 스페이싱

프레임 간격이 적절하지 않으면 캐릭터의 동작이 부자연스러워집니다. 부드러운 동작을 만들기 위해 적절한 프레임 간격에 주의해야 합니다.

부정확한 슬로우 인과 슬로우 아웃

예를 들어 인간이 달릴 때 처음에는 천천히 가속하고 다시 멈출 때는 서서히 감속합니다. 이처럼 애니메이션 제작에서도 동작을 자연스럽게 보여주기 위해 슬로우 인과 슬로우 아웃에 유의하세요.

크리에이터의 창의성과 소프트웨어 선택이 애니메이션 제작 시 중요한 요소입니다. 높은 작화 실력은 아이디어를 높은 수준으로 재현하는 데 도움이 됩니다. 또한 제작 장르에 알맞은 앱은 작업 효율성을 향상시킬 것입니다. 소프트웨어를 선택할 때는 사용 용이성과 충실한 지원 체제, 기능의 다양성 등을 살펴봅시다.

애니메이션에는 어떤 스킬이 필요한가요?

애니메이션 제작을 담당하는 '애니메이터'가 되기 위해서는 다양한 스킬이 요구되며 학습 및 실무 경험을 통해 습득합니다.

애니메이터가 되기 위해 필요한 스킬

가장 중요한 것은 그림 실력이고 그 다음은 발주자의 의도를 파악하여 그림으로 표현하는 능력입니다. 그 밖에도 애니메이션 제작에 관한 기초 지식이나 스킬을 갖추고 이해해야 합니다. 주요 기본 스킬은 다음과 같습니다.

애니메이터에게 요구되는 기본적인 스킬

• 일러스트 스킬: 가장 중요한 것은 그림 실력입니다. 스토리보드를 만들고 캐릭터 디자인을 하거나, 아이디어를 그림으로 재현하는 높은 그림 실력이 요구됩니다.
• 그래픽 디자인: 애니메이션을 시각적으로 매력적으로 만들기 위해서는 그래픽 디자인의 원칙을 이해하는 것이 중요합니다.
• 컴퓨터 스킬: CLIP STUDIO PAINT, Adobe After Effects, Adobe Animate, Autodesk Maya, Blender등 애니메이션 제작에 사용하는 앱을 다루는 기술이 필요합니다.
• 창의력: 독창적인 아이디어를 재현하기 위해 창의력이 필요합니다.
• 문제 해결 능력: 애니메이션 제작 과정에서 발생하는 문제를 파악하고 해결하는 능력과 끈기가 필요합니다.
• 소프트 스킬: 팀워크로 프로젝트를 진행하기 위해 팀원과의 원활한 커뮤니케이션 스킬, 유연성도 중요합니다. 또한 마감일에 맞추어 계획적으로 제작을 진행하는 시간 관리 능력도 필수적입니다.

이러한 기술과 능력 외에도 애니메이터는 창의적인 생각, 뛰어난 시각적 상상력, 세부 사항에 대한 주의력, 좋은 색채 감각이 있어야 합니다. 그 밖에도 그림 실력, 3D 모델 만들기, 컴퓨터 프로그래밍 등의 스킬도 도움이 됩니다.

매력적인 애니메이션을 만들기 위해서는 뛰어난 캐릭터 디자인도 필수적입니다. 캐릭터 디자인은 인물이나 동물과 같은 캐릭터 설계입니다. 표정, 헤어스타일, 의상, 체형 등 그 캐릭터의 내면을 시각적으로 표현합니다.

캐릭터 디자인을 생각할 때는 일반적으로 캐릭터 시트를 활용합니다. 이 시트에 캐릭터의 다양한 포즈와 표정을 시각화합니다. 표정이 바뀌어도 작품 속에서 캐릭터의 일관성을 유지하기 위해 참고할 수 있습니다.

배경 디자인은 스토리의 각 장면의 무대가 되는 배경을 설계하는 것을 의미합니다. 캐릭터가 있는 장소나 시간대 등 장면 요소를 바탕으로 그림이나 CG 등으로 가시화합니다. 배경 디자인은 스토리를 생각하는 단계이며, 스토리에 일관성을 부여하고 세부 사항을 정리할 수 있습니다. 애니메이션 제작 프로젝트에서 캐릭터 디자인과 배경 디자인의 중요성을 이해하는 것이 중요합니다.

캐릭터 디자인에 대해 더 알고 싶다면 이 글도 참조하세요.
・캐릭터 드로잉 입문 가이드
・캐릭터 시트 만드는 법

애니메이션용 캐릭터 디자인

애니메이터는 캐릭터의 모든 포즈를 알기 쉽게 디자인해야 합니다. 보는 사람이 스토리에 집중할 수 있도록 눈에 띄는 캐릭터를 만드는 창의성이 필요합니다.

애니메이션용 캐릭터를 그릴 때 팁을 소개합니다.

• 기본 형태로 시작: 캐릭터를 그릴 때 몸의 부위를 원, 타원, 직사각형 등의 간단한 형태를 조합하여 몸의 구조나 각 부위의 균형을 잡습니다.
• 손 그리기: 손은 그리기가 어려운 부분이지만 캐릭터의 감정이나 몸짓, 손짓을 표현할 때 중요합니다. 손을 흔들거나 컵을 잡는 등 다양하게 움직이는 손을 그리는 연습을 합시다. 그리면서 관찰력과 그림 실력을 키우면 애니메이션을 만드는 데 도움이 됩니다.
• 캐릭터 배치: 일부 캐릭터를 디자인한 후에는 모두 한 화면에 배치하세요. 균형을 확인하거나 캐릭터 디자인에 일관성이 있는지 확인합니다.
• 얼굴 특징 단순화: 뛰어난 애니메이터는 물체나 인물을 데포르메하여 그 본질을 간단한 형태로 표현할 수 있습니다. 캐릭터의 얼굴 특징을 간략화하고 표정을 과장해서 그리는 등 다채로운 표정을 표현할 수 있습니다. 많은 작품을 보고 표정의 패턴을 익힙시다.
• 올바른 눈썹 선택: 눈썹 모양은 캐릭터의 인상에 크게 영향을 미칩니다. 표현하려는 감정에 알맞은 눈썹 모양을 생각해 봅시다. 강력하고 자신감이 넘치는 성격의 캐릭터는 선명한 굵은 눈썹으로 하는 등 구분하여 그릴 수 있도록 합니다.
• 연습하기: 다양한 체형과 표정, 포즈를 그리기 위해 계속 연습하고 스킬을 익힙니다. CLIP STUDIO PAINT 3D 모델 등 캐릭터 제작을 지원하는 많은 소프트웨어 프로그램이 있지만, 기본을 익히려면 연습과 스킬이 필요합니다.

애니메이션에서 배경 디자인이란?

애니메이션 배경 디자인이란 장면의 배경을 디자인하는 것을 말합니다. 작품 전체의 세계관과 분위기를 정하는 데 중요한 역할을 합니다.

애니메이션 배경 디자인에 대해서 알아두면 좋은 키워드를 소개합니다.

• 초기 스케치: 장면 배경의 대략적인 이미지를 그립니다. 완성 이미지를 위한 설계도나 각 제작 과정의 완성 이미지를 공유하기 위한 가이드로 활용됩니다.
• 배경 미술: 배경 미술을 담당하는 배경 아티스트는 애니메이션의 스토리보드를 바탕으로 캐릭터의 감정과 작품 세계관을 반영한 배경을 제작합니다. 색, 모양, 빛, 질감, 움직임, 대비, 선, 구도 등 다양한 요소를 고려하여 디자인합니다.
• 분업: 경우에 따라 배경 아티스트는 레이아웃 아티스트와 역할을 분담하여 작업하기도 합니다. 레이아웃 아티스트는 배경 미술 제작 과정에서 선화 부분을 담당합니다. 그다음 배경 아티스트에게 작업을 인계하고 디지털 또는 아날로그 기술을 사용하여 채색합니다.
• 풍경과 환경: 배경 레이아웃에는 세부 사항을 포함하여 작품의 세계가 반영됩니다. 여기에는 건물, 풍경, 인테리어, 조명 등이 포함됩니다. 배경은 각 장면의 톤과 분위기를 전달하거나 관객을 애니메이션 세계에 몰입시킵니다.
• 스토리보드 및 연출: 배경 디자이너는 애니메이션 스토리보드를 참고하여 스토리 전개와 시각적 느낌을 이해하고 제작합니다. 스토리와 캐릭터만으로는 표현할 수 없는 정보를 관객에게 전하기 위해서는 대본이나 연출을 이해해야 합니다.

따라서 애니메이션의 배경 디자인은 관객을 작품 세계로 끌어들이고 시각적으로 매력적인 애니메이션 장면을 만드는 데 필수적입니다. 배경 미술은 작품의 스토리텔링을 지지하고 작품의 분위기와 스토리 설정을 연출하는 데 도움이 됩니다.

애니메이션 작품으로 설득력 있는 스토리를 만드는 방법과 제작 과정에 대해 소개합니다.

여기에서는 애니메이션 제작 시 계획과 스토리텔링의 중요성에 대해 알아보겠습니다. 이는 고품질의 작품을 제작하는 데 중요합니다.

애니메이션 제작 단계

애니메이션 제작 시 기본적인 단계를 소개합니다. 애니메이션 프로젝트를 시작하기 전에 전체 제작 과정을 이해해 둡시다.

1. 콘셉트와 아이디어 정하기

작품 제작의 첫 걸음으로 먼저 작품 콘셉트와 아이디어를 정합시다. 작품을 통해 전하고 싶은 메시지나 스토리, 캐릭터, 시대 배경, 표현하고 싶은 것을 파악하고 정리합니다. 기획서와 같이 텍스트나 간단한 일러스트 등으로 작품의 개요를 가시화합니다. 어떤 사람에게 어떤 메시지를 전하고 싶은지 구체적으로 정하면 작품의 틀이 잡힙니다. 이 단계에는 대상에 대한 조사도 포함됩니다.

2. 제작 계획 세우기

작품의 방향성이 정해지면 제작 계획을 작성합니다. 제작 기간이나 예산, 팀원 등 제작에 필요한 리소스를 미리 정해 둡니다. 제작을 계획대로 진행하기 위한 중요한 과정입니다.

3. 스토리보드와 대본 만들기

구체적으로 설계하기 위해 스토리보드와 대본을 작성합니다. 스토리보드에서는 캐릭터의 동작, 스토리 전개, 카메라 앵글, 연출 효과, 음악 등을 가시화합니다. 대본에서는 캐릭터의 대사나 내레이션의 내용을 정합니다. 이러한 자료는 실제 제작에 착수하기 위한 설계도라고도 할 수 있습니다.

4. 디자인 단계: 캐릭터와 배경 디자인

제작 계획과 상세 설계가 정해지면 실제로 등장하는 캐릭터와 배경을 디자인합니다. 캐릭터의 행동을 통해 스토리가 진행됩니다. 기획 단계에서 생각한 캐릭터의 성격이나 작품의 무대가 되는 시대나 장소를 그림으로 표현하여 세부 사항을 설계합니다. 캐릭터 시트 등에 그리면 아이디어를 정리하기 쉽고 팀원과 공유하기 편합니다.

5. 애니메이션 제작 과정

디자인이 정해지면 애니메이션을 만듭니다. 단편 작품이라면 혼자 제작하는 경우도 있지만 상업용 애니메이션은 대개 분업하여 팀으로 작업을 진행합니다. 예를 들어 역할에는 진행을 관리하는 감독과 실제로 그림을 그리는 애니메이터 등이 있습니다.

6. 사운드 프로덕션 단계

애니메이션 제작이 끝나면 사운드 프로덕션 단계에 들어갑니다. 음악, 효과음, 내레이션을 제작하고 녹음합니다. 애니메이션에서는 그림이 움직일 뿐만 아니라 소리 연출도 중요한 요소입니다. 장면을 생생하게 전달하기 위해 음악이나 효과음을 제작하거나 캐릭터의 대사와 내레이션을 녹음합니다.

7. 편집 및 마무리

마지막 단계는 편집입니다. 작품을 구성하는 요소가 모두 준비되면 편집하고 작품을 완성합니다. 애니메이션 제작에 적합한 앱을 활용하여 편집을 진행합니다. 수정이나 조정을 반복하면서 작품을 조정해 갑니다.

일반적으로 이러한 단계를 거쳐 애니메이션을 제작합니다. 프로젝트의 복잡성에 따라 추가 과정이 필요할 수 있습니다.

제작을 시작하기 전에 계획을 세우는 것은 애니메이션 제작 과정 중 중요한 단계이며 기본입니다. 계획이 확실할수록 진행이 수월해집니다.

애니메이션 스토리보드란?

애니메이션 스토리보드는 스토리와 각본을 시각적으로 정리하는 과정입니다. 이는 애니메이션을 제작하기 전에 필수적인 단계입니다.

애니메이션 스토리보드의 주목적과 중요성을 알아봅시다.

목적

스토리보드는 촬영 순서, 카메라 각도, 캐릭터 움직임, 장면 전체 구성 등을 시각화합니다. 이를 통해 프로젝트의 전체 이미지를 프로젝트 팀에 공유하고 팀 구성원이 동일한 인식하에 제작을 진행할 수 있습니다.

제작 과정

1. 작품 콘셉트와 스토리 전개를 작성합니다.
2. 캐릭터 간의 대화나 액션을 정리한 각본을 씁니다.
3. 작품의 주요 장면과 컷을 그림으로 가시화한 그림 콘티를 작성합니다.
4. 스토리보드 컷을 임시 오디오 및 타이밍과 조합하여 임시 편집합니다.
5. 스토리보드를 바탕으로 캐릭터 디자인이나 배경 등의 요소를 채웁니다.

시각적 표현

애니메이션 스토리보드는 스토리의 중요한 장면을 시각화합니다. 처음에는 스케치부터 시작하여 제작이 진행됨에 따라 세부 사항을 그린 이미지로 정리되고 최종적인 완성 이미지의 참고가 됩니다.

중요성

스토리보드는 애니메이터와 감독이 애니메이션의 구성과 전체 흐름에 대해 논의하고 결정하는 데 유용합니다. 이를 통해 본격적으로 애니메이션을 제작하기 전에 잠재적인 문제와 개선점을 찾을 수 있습니다.

애니메이션에서 스토리텔링이 중요한 이유

애니메이션에서 스토리텔링이 중요한 이유에 대해 자세히 설명합니다.

1. 참여: 완성도 높은 스토리는 관객을 매료시키고 상업적인 성공으로 이끕니다. 몰입감과 공감을 통해 작품에 대한 감정적 유대감을 형성하고 관객은 캐릭터와 작품에 애착을 느끼게 됩니다.

2. 기억력: 완성도 높은 스토리는 관객에게 깊은 인상을 남길 수 있습니다.

3. 커뮤니케이션: 강력한 스토리텔링은 복잡한 메시지와 작품 테마를 관객이 이해하기 쉽게 전달할 수 있습니다.

4. 감정적 영향: 스토리는 관객의 다양한 감정을 불러일으킵니다. 스토리텔링 기술이 뛰어나면 애니메이터가 관객의 감정에 호소하는 작품을 만드는 데 도움이 되고 더 영향력 있는 작품을 만들 수 있습니다.

이처럼 스토리텔링을 통해 작품에 대한 관객의 참여도를 높이고 더 깊은 인상을 남길 수 있습니다.

애니메이션의 12가지 기본 원칙을 이해하는 것은 모든 애니메이션 업계 종사자에게 중요합니다. 애니메이션 캐릭터와 물체에 생기를 불어넣는 데 사용됩니다. 그 원리를 알면 매력적이고 설득력 있는 기본 스킬을 익힐 수 있습니다.

애니메이션 12원칙이란?

이 원칙은 1981년 출판된 'Illusion of Life: Disney Animation'에서 디즈니 애니메이터인 올리 존스턴과 프랭크 토마스가 처음 소개했습니다. 1930년대 이후의 디즈니 애니메이션은 이 원칙에 따라 만들어졌습니다. 원래는 전통적인 수작업 애니메이션이 대상이었지만, 오늘날 주류를 이루는 디지털 애니메이션에도 큰 영향을 주고 있습니다.

그럼 각 원칙에 대해 살펴봅시다.

1. 스쿼시와 스트레치(Squash and stretch)

캐릭터가 움직일 때 모양이 변하는 것을 말합니다.

2. 예비 동작(Anticipation)

캐릭터가 움직이기 전에 예비 동작을 그려 전체 움직임을 보다 자연스럽게 연출할 수 있습니다.

3. 연출(Staging)

캐릭터의 동작을 보다 알기 쉽게 보여주기 위해서 배경이나 카메라의 앵글을 조정합니다.

4. 스트레이트 어헤드와 포즈 투 포즈(Straight ahead action and pose to pose)

스트레이트 어헤드는 캐릭터가 움직일 때 1컷씩 그려가는 방법이고 포즈 투 포즈는 캐릭터가 움직일 때 시작과 끝 포즈를 정해 그 사이의 움직임을 그려가는 방법입니다.

5. 팔로우 스루와 오버래핑 액션(Follow through and overlapping action)

캐릭터가 움직일 때 그 동작이 멈춘 후에도 일부 부위가 계속 움직이는 상태를 표현합니다.

6. 슬로우 인과 슬로우 아웃(Slow in and slow out)

캐릭터나 물체의 움직임을 천천히 움직이기 시작하거나 정지시켜 자연스러운 움직임을 표현하는 기법입니다.

7. 곡선 운동(Arc)

캐릭터의 동작의 궤도를 곡선적으로 그리는 기법입니다.

8. 2차 동작(Secondary action)

캐릭터의 주요 동작에 따라 감정 등을 반영하여 다른 부위에 부차적인 동작을 추가하는 것을 말합니다. 이를 통해 주요 동작을 더 돋보이게 하거나 장면을 생생하게 표현할 수 있습니다.

9. 타이밍(Timing)

캐릭터나 물체의 움직이는 속도나 간격을 조정하여 보다 자연스러운 움직임을 표현하는 기법입니다.

10. 과장(Exaggeration)

캐릭터나 물체의 움직임을 과장해서 그려 극적으로 표현하는 기법입니다.

11. 솔리드 드로잉(Solid drawing)

캐릭터나 물체의 형태나 질감까지 표현하여 보다 사실적으로 보이게 하는 기법입니다.

12. 호소력(Appeal)

캐릭터가 움직일 때 그 캐릭터 자체를 매력적으로 보여줍니다.

이러한 원칙은 움직이는 매체 표현의 기본이며 매력적이고 현실적인 캐릭터 애니메이션을 제작하기 위한 궁극적인 가이드로 알려져 있습니다.