Compétences et connaissances nécessaires pour les animateurs

Êtes-vous un aspirant animateur qui souhaite faire ses premiers pas ? Ou un professionnel expérimenté cherchant à perfectionner ses compétences ?

Ce guide complet sur la production en animation vous offre des conseils pratiques, des ressources nécessaires et aborde d'autres sujets essentiels du monde de l’animation. Nous espérons qu'il contribuera à approfondir votre connaissance du domaine de l’animation !

Commençons par les principes de base, soit les 12 principes de l'animation ! Votre connaissance du domaine constituera le socle de votre créativité, et il est conseillé d'explorer progressivement des techniques avancées pour perfectionner vos compétences.

N'oubliez pas d'étudier le travail d'autres créateurs. Cela vous fournira des indices pour vous inspirer, ou vous donnera des pistes qui vous permettront d'améliorer votre propre processus de production.

Conseils utiles pour les débutants en animation

Voici quelques conseils pour les débutants qui souhaitent développer leurs compétences en animation.

1. Comprenez et maîtrisez les « 12 principes de l'animation ». Ces principes sont largement reconnus parmi les animateurs comme les bases de l'animation, et on les appelle parfois collectivement la « Bible de l'Animation ».

2. Trouvez un style d'animation qui vous convient et familiarisez-vous avec le vocabulaire de l'animation.

3. Commencez par vous exercer avec des projets simples tels qu'une balle rebondissante, une brique qui tombe ou un cycle de marche d'un personnage.

4. Choisissez un programme qui correspond le mieux à votre style d'animation.

Consultez l’article ci-dessous pour plus d'informations sur les logiciels d'animation.
Logiciel d'animation

5. Lors de l'amélioration de vos compétences, la persévérance et la création d'une habitude d'apprentissage sont essentielles. En dehors du travail quotidien sur des projets d'animation, soyez attentif aux occasions de votre vie quotidienne pour utiliser l'animation comme un outil supplémentaire, comme des devoirs scolaires ou des présentations professionnelles.

Profiter de ces moments améliorera vos compétences en animation, conduisant à de meilleurs résultats.

Comment commencer à améliorer vos compétences en animation

Pour améliorer vos compétences en animation, se pratiquer régulièrement est essentiel. Parmi les méthodes recommandées, citons les exercices d'animation, l'utilisation d'applications, la consultation de tutoriels et la participation à des cours particuliers.

Des projets pratiques efficaces incluent une balle rebondissante, une brique qui tombe ou un cycle de marche d'un personnage. Ces mouvements simples, réalisables avec un petit nombre d'images sont parfaits pour permettre aux débutants de s'exercer aux bases.

Pour créer de l'animation numérique, vous aurez besoin d'un logiciel spécialisé. Parmi les logiciels recommandés pour les débutants, on trouve CLIP STUDIO PAINT, OpenToonz, Toon Boom Harmony, Synfig Studio, Adobe Animate, Adobe Character Animator, Visme, Pencil2D, Biteable et Animaker. Choisissez une application offrant les meilleures fonctionnalités pour votre style d'animation.

Si vous avez des questions sur l'utilisation de votre programme préféré ou sur l'animation en général, regarder des tutoriels ou suivre des cours auprès d'organisations éducatives ou en ligne peut également contribuer à améliorer vos compétences en animation.

Les sites web de tutoriels d'animation populaires incluent CLIP STUDIO TIPS, Animator Island, Rusty Animator et Bloop Animation. CLIP STUDIO PAINT et Adobe Animate proposent également des cours pour débutants sur YouTube.

Une fois que vous êtes bien lancé dans l'animation, partagez vos créations avec vos amis et votre famille ! Obtenir des retours d'autres personnes contribuera également à perfectionner vos compétences en animation.

Quelles sont les erreurs fréquentes à éviter en animation ?

Voici quelques conseils à garder à l'esprit pendant la production d'animation. Considérez-les comme des directives de base pendant que vous créez une animation.

Ne pas effectuer le travail de préproduction

Élaborez la structure globale et les étapes de production avant de commencer. Si vous démarrez sans plan, vous passerez plus de temps à effectuer des corrections et perdrez en cohérence.

La personnalité et les émotions des personnages ne correspondent pas à leurs expressions et mouvements corporels

Les expressions et les mouvements doivent refléter la personnalité et l'émotion du personnage. Observer et assimiler une variété d'œuvres artistiques élargira votre gamme d'expressions.

Mauvais espacement ou agencement incorrect des images

Si les images ne sont pas correctement espacées, le mouvement du personnage ne sera pas naturel. Pour obtenir un mouvement fluide, veillez à un espacement approprié des images.

Inexactitude des slow ins et slow outs

Par exemple, lorsqu'un humain court, il accélère lentement, puis décélère pour s’arrêter. De même, en animation, notez comment le mouvement doit ralentir au début et à la fin pour paraître naturel.

La créativité et le choix du logiciel sont des éléments clés dans la production d'animation. De bonnes compétences en dessin et de design vous aideront à reproduire fidèlement vos idées. De plus, l'utilisation de la bonne application pour votre genre améliorera considérablement votre travail. Lors du choix d'un programme, tenez compte de la facilité d'utilisation, du support disponible et de la richesse des fonctionnalités.

Quelles compétences sont nécessaires pour l'animation ?

Pour devenir un animateur professionnel, vous devrez acquérir une large palette de compétences par le biais d'études et d'expérience professionnelle.

Compétences nécessaires pour devenir animateur

Les compétences en dessin sont essentielles, suivies de la capacité à comprendre les intentions du client. De plus, il est impératif de maîtriser les connaissances de base et les compétences liées à la production d'animation. Voici certaines de ces compétences fondamentales.

Compétences de base requises pour les animateurs

• Compétences en illustration : Le dessin est la compétence la plus importante. Des compétences solides en dessin sont nécessaires pour créer des storyboards, concevoir des personnages et exprimer des idées de manière précise.
• Compétences de graphic design : Pour rendre vos animations visuellement attrayantes, il est important de comprendre les bases du graphic design.
• Compétences informatiques : La maîtrise des logiciels d'animation tels que CLIP STUDIO PAINT, Adobe After Effects, Adobe Animate, Autodesk Maya, Blender, etc., est nécessaire.
• Créativité : La créativité est indispensable pour générer des idées originales.
• Compétences en illustration : Il faut être capable de résoudre efficacement les problèmes qui surviennent tout au long du processus de production d'animation, avec patience et compétence.
• Compétences relationnelles : L'animation est une entreprise collective, et une communication fluide et une collaboration flexible avec les autres membres de l'équipe sont également cruciales. La gestion du temps est également essentielle pour respecter les délais du projet.

En plus de ces compétences, les animateurs doivent également faire preuve de créativité, posséder une imagination visuelle développée, une grande attention aux détails, ainsi qu'un sens aigu des couleurs. D'autres compétences, telles que le dessin technique, la modélisation 3D et la programmation informatique, peuvent également être bénéfiques.

Un design de personnage réussi est également essentiel pour créer une animation captivante. Le design de personnage agit comme le plan détaillé d'un personnage, qu'il s'agisse d'une personne ou d'un animal. Elle englobe les expressions, coiffures, vêtements, types de corps et d'autres aspects visuels du personnage qui reflètent ses caractéristiques internes.

Lors de la réflexion sur le design de personnages, l'utilisation d'une feuille de personnage est assez courante. Cette feuille visualise différentes poses et expressions d'un personnage, ce qui contribue à maintenir la cohérence du personnage tout au long de l'animation, indépendamment de son expression.

Le design d'arrière-plan, quant à lui, fait référence à la conception du décor qui crée le cadre pour chaque scène de l'histoire. Ils sont visualisés à l'aide de peintures ou de graphismes informatiques, en fonction de divers éléments tels que l'emplacement des personnages et l'heure de la journée. Le design d’arrière-plans contribue à apporter de la cohérence à l'histoire et à organiser ses détails lors de la phase d'écriture. Il est essentiel de comprendre l'importance du design de personnage et du design d’arrière-plan dans la production d'animation.

Consultez les articles ci-dessous pour plus d'informations sur le design de personnages.
- Guide d'introduction au design et au character art
- La feuille de modèle pour les créateurs de personnages

Comment dessiner des personnages pour l’animation ?

Lorsque du design des personnages pour l'animation, il est essentiel que chaque pose du personnage soit distincte et facile à interpréter. Les animateurs doivent faire preuve de créativité afin de concevoir un personnage qui se démarque et qui captive les spectateurs dans l'histoire.

Voici quelques conseils pour dessiner des personnages pour l'animation.

• Commencez par des formes de base : Lorsque vous dessinez un personnage, évaluez la structure du corps et l'équilibre de chaque partie en les créant à partir de formes simples telles que des cercles, des ovales et des rectangles.
• Prêtez attention aux mains : Les mains sont une partie difficile à dessiner, mais elles sont importantes pour exprimer les émotions et les gestes d'un personnage. Entraînez-vous à dessiner des mains effectuant différentes actions, comme saluer ou tenir une tasse. En dessinant, vous développerez vos compétences d'observation et de dessin, qui seront également utiles dans la production d'animation.
• Alignez vos personnages : Organisez les personnages : Une fois que vous avez conçu plusieurs personnages, placez-les tous sur une page. Vérifiez qu'ils sont équilibrés et qu'il y a une cohérence dans les designs des personnages.
• Simplifiez les traits du visage : Un bon animateur peut simplifier un objet ou une personne et en transmettre l'essence dans une forme simple. Cela leur donne plus de place pour l'expression, car ils peuvent, par exemple, simplifier les traits du visage et les expressions exagérées. Regardez toutes sortes d'animations et apprenez les différents styles d'expression.
• Choisissez les bons sourcils : La forme des sourcils peut grandement affecter l'impression d'un personnage. Choisissez une forme de sourcil qui correspond le mieux à l'émotion que vous souhaitez exprimer. Par exemple, un personnage avec une personnalité forte et confiante peut avoir des sourcils épais et définis.
• Pratiquez-vous : Entraînez-vous à dessiner différents types de corps, d'expressions et de poses. De nombreux programmes informatiques peuvent vous aider à créer des personnages, tels que les modèles 3D de CLIP STUDIO PAINT, mais il faut de la pratique et de la compétence pour maîtriser les bases.

Qu'est-ce que le design d’arrière-plans en animation ?

La conception des arrière-plans dans l'animation fait référence à la conception de l'arrière-plan d'une scène. Elle joue un rôle important dans la détermination du cadre général et de l'atmosphère.

Voici quelques éléments clés à retenir lorsque l'on explore le design des arrière-plans dans le domaine de l'animation.

• Ébauche initiale : Il s'agit d'un croquis préliminaire du design de l'arrière-plan d'une scène. Cette ébauche initiale sert de plan directeur pour l'image finale et est utilisée pour partager la vision de l'image à chaque étape de la production.
• L’ambiance de l'arrière-plan : Les artistes d'arrière-plan travaillent à partir des storyboards d'animation pour créer des arrière-plans qui reflètent les émotions des personnages et l'univers du film. Ils prennent en compte divers éléments tels que la couleur, la forme, la lumière, la texture, le mouvement, le contraste, la ligne, la composition, et bien plus encore.
• Répartition des tâches : Dans certains cas, le designer d'arrière-plan peut collaborer avec le designer de mise en page. Ce dernier se charge généralement de la partie en traits du design de l'arrière-plan. Ensuite, le travail est transmis au peintre d'arrière-plan qui se charge de la coloration, que ce soit de manière numérique ou analogique.
• Paysages et environnements : le design d’arrière-plan reflète en détail le cadre de la scène, incluant les bâtiments, les paysages, les intérieurs, l'éclairage, etc. Les arrière-plans contribuent à définir le ton et l'ambiance de chaque séquence, plongeant le public dans l'univers de l'animation.
• Storyboard et direction : Les designers d'arrière-plans travaillent à partir des storyboards pour comprendre les moments clés et les subtilités visuelles de l'histoire. Afin de transmettre des informations qui ne sont pas directement abordées par l'intrigue et les personnages, il est essentiel de bien comprendre le scénario et la direction artistique.

Ainsi, le design des arrière-plans dans l'animation est crucial pour immerger le public dans le décor et créer des séquences animées visuellement attrayantes. L'art d'arrière-plan soutient la narration de l'animation en contribuant à créer l'atmosphère et le cadre spécifiques à chaque séquence.

Dans cette section, explorons la manière de créer une histoire captivante et le processus de production qui l'accompagne.

Nous nous plongerons dans la dimension narrative de l'animation et dans l'importance de la planification de la production. Ces éléments sont essentiels pour produire un travail de haute qualité.

Quelles sont les étapes de la production en animation ?

Voici les étapes fondamentales pour créer une animation. Avant de débuter un projet d'animation, il est crucial de comprendre l'ensemble du processus de production.

1. Choisir un concept et une idée

La première étape consiste à sélectionner un concept ou une idée. Identifiez le message ou l'histoire, les personnages, le contexte historique, ce que vous souhaitez exprimer, etc., puis développez-les. Visualisez-les comme si vous présentiez un projet à l'aide de textes et d'illustrations simples. En étant précis sur ce que vous souhaitez transmettre et à qui, vous définirez le cœur même de l'animation. Cette phase inclut également des recherches sur le public cible.

2. L’élaboration d'un plan de production L’élaboration d'un plan de production

Une fois la direction décidée, la planification de la production intervient. La chronologie de production, le budget, les membres de l'équipe, et d'autres ressources nécessaires sont décidés à l'avance. C'est une étape cruciale pour garantir que la production respecte les délais.

3. La création de storyboards et de scénarios

Pour planifier la production en détail, des storyboards et des scénarios sont élaborés. Le storyboard visualise les mouvements des personnages, le développement de l'histoire, les angles de la caméra, la direction, les effets, la musique, etc. Le scénario détermine les dialogues des personnages et la narration. Ces éléments peuvent être considérés comme les plans directeurs de la production.

4. La phase de conception : Le design des personnages et des arrière-plans

Une fois que le plan de production et les détails sont finalisés, il est temps de concevoir les personnages et les arrière-plans. L'histoire sera racontée à travers les personnages et leurs actions. Cette phase permet de visualiser les personnalités des personnages, l'époque et le lieu du cadre, etc., et de concevoir les détails. Les dessiner sous forme de fiches de personnages et d'autres documents facilite l'organisation des idées et le partage avec les membres de l'équipe.

5. Le processus de production de l'animation

Après avoir fixé un design, il est enfin temps de commencer l'animation. Alors que des productions courtes peuvent être réalisées en solo, les animations commerciales sont généralement gérées par une équipe, chaque membre ayant un rôle différent. Les rôles incluent le réalisateur, qui supervise l'avancement du projet, et les animateurs, qui dessinent et créent les images.

6. La production audio

Une fois la production d'animation terminée vient la phase de production audio. La musique, les effets sonores, et la narration sont produits et enregistrés. Dans l'animation, le son est aussi crucial que les images en mouvement. La musique et les effets sonores qui renforcent les scènes, les dialogues des personnages, et les narrations sont enregistrés.

7. Le montage et le peaufinage

La dernière étape est le montage. Une fois que tous les éléments sont prêts, ils sont assemblés pour compléter l'animation. Le montage se fait à l'aide d'une application adaptée à la production d'animation. En répétant les corrections et les ajustements, la version finale de l'animation est peaufinée.

Les étapes ci-dessus ce sont les étapes les plus courantes dans la création d'une animation. Selon la complexité du projet, des étapes supplémentaires peuvent être nécessaires.

La planification avant la production est une étape cruciale et le fondement de la production d'animation. Plus la préproduction est réussie, plus la production réelle se déroule sans accroc.

Qu'est-ce qu'un storyboard en animation ?

En animation, le storyboard est le processus visuel d'organisation de l'histoire et du scénario, constituant une étape essentielle de la préproduction.

Examinons les principaux objectifs du storyboard en animation.

L’objectif

Le storyboard permet de visualiser la séquence des plans, les angles de caméra, les mouvements des personnages et la structure globale de la scène. Cela facilite le partage d'une vision commune du projet au sein de l'équipe et favorise l'alignement vers un objectif commun.

Le processus de production

1. Créer le concept et les moments clés de l'animation.
2. Rédiger un scénario résumant les dialogues et les actions entre les personnages.
3. Élaborer un storyboard visualisant les principales scènes et plans à l'aide d'images et de schémas.
4. Réaliser un montage approximatif en utilisant les panneaux du storyboard ainsi que des éléments audio et des repères de timing temporaires.
5. Finaliser les designs des personnages, des arrière-plans et d'autres éléments en se basant sur le storyboard.

La représentation visuelle

Les storyboards en animation donnent une représentation visuelle des scènes clés de l’histoire. Au départ sous forme de croquis approximatifs, ils évoluent en images détaillées au fil de la production, servant de référence pour l'image finale.

L’importance du storyboard

Le storyboard facilite les discussions entre animateurs et réalisateurs, permettant de finaliser la structure et le déroulement global de l'animation. Cela aide à anticiper les problèmes potentiels et à identifier les points d'amélioration avant le début de la production d'animation à grande échelle.

Pourquoi la narration est-elle importante en animation ?

Voyons pourquoi la narration est importante en animation.

1. Créer un engouement : Une histoire bien élaborée captive le spectateur et conduit au succès commercial. Elle crée une connexion émotionnelle avec l'animation par l'immersion et l'empathie, liant le public aux personnages et à l'animation.

2. Créer une œuvre mémorable Les histoires bien construites ont plus de chances de laisser une impression durable sur le public.

3. Communiquer un message : Une narration forte peut transmettre des messages ou des thèmes complexes de manière facile à assimiler par le public.

4. Avoir un impact émotionnel : Les histoires évoquent diverses émotions chez le public. Les compétences en narration permettent aux animateurs de créer un travail plus émotionnellement engageant pour le public, rendant l'animation plus impactant.

De cette manière, la narration peut accroître l'engagement du public et rendre l'animation plus mémorable.

Comprendre les 12 principes de l'animation est essentiel pour toute personne travaillant dans le domaine de l'animation. Ils sont utilisés pour donner vie aux personnages et objets animés. En maîtrisant ces principes, vous pouvez acquérir les compétences de base pour rendre vos animations non seulement visuellement attrayantes, mais aussi émotionnellement captivantes.

Quels sont les 12 principes de l'animation ?

Les 12 principes de l'animation ont été introduits pour la première fois par les animateurs de Disney, Ollie Johnston et Frank Thomas, dans leur livre de 1981, « Illusion of Life: Disney Animation ». Depuis les années 1930, l'animation Disney s'appuie sur ces principes. Bien qu'ils aient été initialement conçus pour l'animation traditionnelle dessinée à la main, ils continuent d'exercer une influence dans le domaine de l'animation numérique moderne.

Examinons un par un les 12 principes de l'animation.

1. Squash et stretch

Cela se réfère aux changements de forme d'un personnage lorsqu'il se déplace.

2. Anticipation

Avant qu'un personnage ne se déplace, une phase d'anticipation peut être dessinée pour rendre le mouvement global plus naturel.

3. Mise en scène

Lorsqu'un personnage se déplace, ajustez l'arrière-plan et la caméra pour rendre le mouvement plus lisible.

4. Action directe et action pose à pose

L'action directe est un style d'animation où les images sont dessinées dans l'ordre. L'action pose à pose consiste à décider d'abord des premières et dernières poses d'un personnage en mouvement, puis à dessiner les images intermédiaires par la suite.

5. Actions de suivi et de chevauchement

Ce principe décrit comment certaines parties d'un personnage continuent de bouger après que le personnage a cessé de se déplacer.

6. Slow in et slow out

Une technique qui permet d'exprimer un mouvement naturel en démarrant et en arrêtant progressivement le mouvement.

7. Trajectoire en arc

Le principe consiste à dessiner les trajectoires de mouvement sous forme d'arcs.

8. Action secondaire

Lorsqu'un personnage se déplace, une autre partie du personnage effectue un mouvement secondaire, reflétant les émotions du personnage, etc.

9. Timing

Une technique qui rend le mouvement des personnages plus naturel en ajustant la vitesse ou l'espacement du mouvement.

10. Exagération

Une technique qui dramatise le mouvement en exagérant les gestes d'un personnage.

11. Dessin solide

Une technique qui rend les personnages et les objets plus réalistes en représentant leurs formes et textures en mouvement.

12. Appel

Rendre un personnage attrayant lorsqu'il est en mouvement.

Ces principes sont essentiels pour les médias animés et sont considérés comme le guide ultime pour créer une animation de personnage attrayante et réaliste.