Habilidades y conocimientos necesarios para crear animaciones

¿Aspiras a crear tus propias animaciones y quieres dar tu primer paso? ¿O ya tienes experiencia en la animación y quieres llevar tus habilidades al siguiente nivel?

En esta completa guía sobre la creación de animaciones, hablaremos sobre consejos de producción, recursos necesarios y otros temas esenciales. ¡Esperamos que te ayude a comprender mejor el mundo de la animación!

Comencemos con los fundamentos básicos, ¡incluyendo los 12 principios de la animación! El conocimiento es la base de tu creatividad, por lo que es muy recomendable ir probando diversas técnicas avanzadas para perfeccionar tus habilidades.

No olvides estudiar el trabajo de otros creadores. Hacerlo te ayudará a inspirarte y a mejorar tu proceso creativo.

¿Qué se recomienda a los principiantes en animación?

A continuación compartiremos algunos consejos para principiantes que quieran mejorar sus habilidades de animación.

1. Comprender y dominar los "12 principios de la animación". Los principios son ampliamente conocidos entre los animadores como los fundamentos de la animación y hay quien los denomina la "Biblia de la animación".

2. Encuentra un estilo de animación que vaya contigo y familiarízate con la terminología de animación.

3. Comienza practicando con proyectos sencillos como una pelota rebotando, un ladrillo cayendo o un personaje caminando en bucle.

4. Elige el programa que mejor se adapte a tu estilo de animación.

Consulta el siguiente apartado para saber más sobre los programas de animación.
Programas de animación

5. Para mejorar tus habilidades, es vital perseverar y hacer del aprendizaje un hábito. Además de trabajar cotidianamente en proyectos de animación, considera también las oportunidades que te brinde tu vida diaria para utilizar la animación como una herramienta complementaria en, por ejemplo, tareas escolares o presentaciones de tus trabajos.

Aprovechar estas ocasiones mejorará tus habilidades de animación, lo cual repercutirá en tus resultados.

Cómo empezar a trabajar en tus habilidades de animación

Para que tus habilidades de animación mejoren, es importante seguir practicando. Para ello, puedes hacer ejercicios de animación, utilizar distintas aplicaciones, ver tutoriales o apuntarte a cursos bajo tutoría, por ejemplo.

Como práctica, puedes probar a animar una pelota rebotando, un ladrillo cayendo o un personaje caminando en bucle. Este tipo de movimientos sencillos con pocos fotogramas son perfectos para que los principiantes se familiaricen con los fundamentos de la animación.

Para crear animaciones digitales, necesitarás un software diseñado para ello. Algunos programas recomendados para principiantes son Clip Studio Paint, OpenToonz, Toon Boom Harmony, Synfig Studio, Adobe Animate, Adobe Character Animator, Visme, Pencil2D, Biteable y Animaker. Elige la aplicación que tenga las mejores funciones para el estilo de animación que busques.

Si tienes dudas sobre el uso de algún programa en concreto o sobre cómo animar en general, ver tutoriales o asistir a cursos de instituciones educativas o plataformas en línea también puede ayudarte a mejorar tus habilidades de animación.

Hay portales de tutoriales de animación populares como Clip Studio Tips, Animator Island, Rusty Animator o Bloop Animation. Clip Studio Paint y Adobe Animate también ofrecen cursos para principiantes en sus canales de YouTube.

Una vez que le hayas cogido el truco a la animación, ¡comparte tus obras con tus amigos y familiares! Recibir comentarios de otros también te ayudará a mejorar tus habilidades de animación.

Errores de animación comunes que debes evitar

Estos son algunos consejos que conviene no olvidar al crear animaciones. Tenlos en cuenta como pautas básicas mientras animas.

Saltarse la preproducción

Planifica la estructura aproximada y los pasos de la producción antes de comenzarla. Si empiezas sin un plan, tardarás más en aplicar posibles correcciones y la obra perderá coherencia.

Personalidad y emociones que no coinciden con las expresiones y movimientos corporales de los personajes

Las expresiones y movimientos representan la personalidad y el estado emocional del personaje. Ver y absorber una amplia variedad de arte ampliará tu rango de expresión.

Espaciado inadecuado entre fotogramas

Si los fotogramas no están espaciados correctamente, el movimiento de los personajes no será natural. Para lograr un movimiento suave, presta atención al espacio adecuado entre fotogramas.

Entradas y salidas lentas e imprecisas

Cuando, por ejemplo, un humano corre, acelera lentamente y luego va desacelerando hasta detenerse. De manera similar, en la animación, fíjate en cómo los movimientos deben empezar y terminar progresivamente para que parezcan naturales.

La creatividad y la elección del software son factores importantes en la producción de animaciones. Si tienes buenas habilidades de dibujo y diseño, te será más fácil recrear tus ideas con precisión. Además, utilizar la aplicación adecuada para tu estilo de animación mejorará considerablemente el resultado de tu trabajo. A la hora de elegir el programa ideal, ten en cuenta la facilidad de uso, el soporte disponible y el repertorio de funciones que ofrece.

¿Qué habilidades se requieren para crear animaciones?

Para dedicarte a la animación a nivel profesional, deberás adquirir una amplia variedad de habilidades a través del estudio y la experiencia.

Habilidades necesarias para convertirse en animador

Las habilidades de dibujo son lo más esencial, seguidas de la capacidad de comprender las expectativas del cliente. Además, debes tener los conocimientos necesarios y dominar las habilidades básicas para la producción de animaciones. A continuación veremos algunas de esas habilidades básicas.

Habilidades básicas requeridas para animadores

• Habilidades de ilustración: La habilidad más importante es el propio dibujo. Resulta imprescindible para crear guiones gráficos, diseñar personajes y representar ideas con precisión.
• Habilidades de diseño gráfico: Para que tus animaciones sean visualmente agradables, es importante comprender los conceptos básicos del diseño gráfico.
• Conocimientos informáticos: Es imprescindible ser capaz de manejar aplicaciones de animación como Clip Studio Paint, Adobe After Effects, Adobe Animate, Autodesk Maya o Blender.
• Creatividad: Huelga decir que la creatividad es necesaria para generar ideas originales.
• Resolución de problemas: Se necesitan habilidades y paciencia para identificar y resolver los problemas que surgen durante el proceso de producción de una animación.
• Habilidades sociales: La animación es un esfuerzo de equipo, por lo que es importante mantener una comunicación fluida y tener flexibilidad a la hora de tratar con otros miembros. Igualmente, es esencial gestionar bien el tiempo para garantizar que el proyecto cumpla con sus plazos.

Además de estas habilidades, los animadores también deben pensar de forma creativa, poseer una clara imaginación visual, atención al detalle y buen gusto para elegir los colores. También son útiles otras habilidades como técnicas de delineado, modelado 3D y programación.

Un buen diseño de personajes también es esencial para crear una animación convincente. El diseño del personaje es su identidad, ya sea una persona o un animal. Incluye sus expresiones, peinado, vestimenta, tipo de cuerpo y otros factores que expresan visualmente sus aspectos internos.

A la hora de diseñar personajes, es bastante común crear una ficha de personaje. Se trata de una ficha que muestra diferentes poses y expresiones de un mismo personaje. Esto ayuda a mantener la coherencia del personaje durante toda la animación, aunque su postura o expresión varíen.

El diseño de fondos es el que se ocupa de diseñar los escenarios que ambientan cada escena de la historia. Los fondos se diseñan mediante pinturas o imágenes generadas por ordenador y se basan en diversos elementos como la ubicación de los personajes y la hora del día. El diseño de fondos ayuda a darle coherencia a la historia y a organizar sus detalles durante la fase de escritura del guion. Es fundamental comprender la importancia del diseño de personajes y el diseño de fondos en la producción de animaciones.

¿Quieres saber más sobre el diseño de personajes? Consulta los siguientes artículos.
- Guía introductoria al diseño y dibujo de personajes
- Ficha modelo para el diseño de personajes

¿Cómo se dibujan personajes para animación?

Al diseñar personajes para animación, los animadores deben asegurarse de que cada pose del personaje sea clara y fácil de identificar. El diseño debe ser imaginativo y hacer resaltar al personaje de manera que atraiga a los espectadores a la historia.

A continuación ofrecemos algunos consejos para dibujar personajes para animación.

• Parte de formas básicas: Al dibujar un personaje, establece la estructura del cuerpo y el equilibrio de cada parte basándote en formas simples como círculos, óvalos y rectángulos.
• Presta atención a las manos: Las manos son una parte difícil de dibujar, pero son importantes para expresar las emociones y los gestos del personaje. Practica dibujando manos en diferentes posturas: saludando, sosteniendo una taza... Dibujar te ayudará a desarrollar tus habilidades de observación y dibujo, que también te serán útiles durante la creación de la animación.
• Alinea tus personajes: Organiza tus personajes tras diseñarlos y colócalos todos en una página. Comprueba que haya equilibrio y coherencia entre ellos.
• Simplifica los rasgos faciales: Un buen animador puede simplificar un objeto o una persona y transmitir su esencia en una forma sencilla. Esto deja más espacio a la expresividad, ya que permite, por ejemplo, exagerar aún más las expresiones. Observa todo tipo de animaciones y familiarízate con los distintos estilos de expresión.
• No descuides las cejas: La forma de las cejas puede afectar en gran medida a la impresión que genera el personaje. Diseña las cejas en cada caso de manera que representen la emoción que buscas expresar. Por ejemplo, un personaje con una personalidad fuerte y segura puede tener cejas espesas y definidas.
• Practica: Dibuja y redibuja hasta ser capaz de dar forma a distintos tipos de cuerpo, expresiones y posturas. Muchos programas pueden ayudarte a crear personajes, como Clip Studio Paint y sus modelos 3D, pero en todo caso necesitarás práctica y habilidad para dominar los conceptos básicos.

¿Qué es el diseño de fondos de animación?

El diseño de fondos de animación consiste, como su nombre indica, en diseñar los fondos de cada escena. Desempeña un papel muy importante en el establecimiento del entorno y de la atmósfera general de la obra.

A continuación encontrarás algunos conceptos clave que debes tener en cuenta al aprender sobre el diseño de fondos de animación.

• Boceto inicial: Un bosquejo aproximado del fondo de una escena. El boceto inicial sirve como modelo para la imagen final y se utiliza para mostrar al resto del equipo cómo debería verse la imagen final en cada etapa de la producción.
• Arte de fondos: Los artistas de fondos trabajan a partir de guiones gráficos de animación para crear fondos que reflejen las emociones de los personajes y la ambientación de la obra. Diseñan diversos elementos, como los colores, las formas, la iluminación, las texturas, el movimiento, los contrastes, las líneas o la composición, entre muchos otros.
• División del trabajo: En algunos casos, el artista de fondos puede compartir la carga de trabajo con el artista que se ocupa del diseño visual de las escenas. Este puede hacerse cargo del delineado del fondo y, posteriormente, entregárselo al colorista de fondos para que lo pinte por medio de técnicas digitales o analógicas.
• Paisajes y entornos: El fondo muestra exactamente dónde sucede la escena. Esto incluye edificios, paisajes, interiores, iluminación, etc. Los fondos transmiten el tono y el ambiente de cada escena, a la par que sumergen al público en el mundo de la obra.
• Guion gráfico y dirección: Los diseñadores de fondos trabajan a partir de guiones gráficos para comprender los ritmos y los matices visuales de la historia. Para transmitir información ausente en la historia y los diálogos, es necesario comprender el guion y la dirección.

De esta manera, el diseño de fondos en la animación puede contribuir a atraer al público a la ambientación y crear escenas animadas visualmente atractivas. El fondo sirve de apoyo a la narrativa y ayuda a crear la atmósfera y el ambiente correctos para la animación.

En esta sección, aprenderemos cómo crear una historia convincente y el proceso de producción necesario.

Profundizaremos en el lado narrativo de la animación y la importancia de la planificación de la producción. Estos son elementos cruciales para producir un trabajo de alta calidad.

¿Qué pasos engloba la producción de una animación?

Veamos los pasos básicos para crear una animación. Antes de iniciar un proyecto de animación, es importante tener una idea clara de lo que conlleva el proceso de producción general.

1. Elegir un concepto y una idea

El primer paso para crear es decidirse por un concepto o idea. Identifica el mensaje o la historia, los personajes, el trasfondo histórico, lo que quieres expresar, etc., y dale cuerpo. Visualízalos como si estuvieras haciendo una presentación usando texto e ilustraciones simples. Concretar qué es lo que quieres transmitir y a quién te ayudará a mantener consistente el núcleo de la animación. Esta fase también incluye la investigación sobre el público a quien irá dirigida la obra.

2. Establecer un plan de producción

Una vez decidida la orientación del proyecto, lo siguiente es el plan de producción. El cronograma, el presupuesto, los miembros del equipo y otros recursos necesarios se deciden de antemano. Este es un proceso importante para garantizar que la producción se ajuste a lo planificado.

3. Crear el guion y los storyboards o guiones gráficos

Para planificar la producción en detalle, es necesario preparar el guion y los storyboards o guiones gráficos. El guion gráfico muestra visualmente los movimientos de los personajes, el desarrollo de la historia, los ángulos de la cámara, la dirección, los efectos, la música y otros detalles. El guion define la narración y los diálogos de los personajes. El conjunto de estos materiales puede considerarse el plano de obra de la producción.

4. Fase de diseño: Diseño de personajes y fondos

Una vez ultimados el plan de producción y los detalles, llega el momento de diseñar los personajes y los fondos. La historia progresa a través de las acciones de los personajes. Esta fase tiene como objetivo visualizar sus personalidades, la época y ubicación de la ambientación, etc., además de diseñar los detalles. Dibujar fichas de personaje y otro tipo de documentos facilita la organización de las ideas y hace más sencillo compartirlas con los miembros del equipo.

5. Proceso de producción de animación

Después de establecer un diseño, es hora de comenzar a animar. Si bien las producciones cortas pueden llevarse a cabo sin ayuda, las animaciones comerciales generalmente están a cargo de un equipo, y a cada miembro se le asigna un rol diferente. Los roles incluyen el director, que gestiona el progreso del proyecto, y los animadores, que dibujan y crean las imágenes.

6. Producción de audio

Una vez que la animación está completada, es hora de ocuparse de la producción de audio. En esta fase se producen y graban la música, los efectos de sonido y las narraciones. En la animación, el sonido es tan importante como las propias imágenes en movimiento. La música y los efectos de sonido realzan las escenas, los diálogos de los personajes y las narraciones.

7. Edición y retoques

El último paso es la edición. Una vez preparados todos los elementos, se editan para completar la animación. La edición se realiza utilizando una aplicación adecuada para la producción de animación. El objetivo es mejorar la animación final aplicando correcciones y ajustes.

Estos son los pasos más comunes para crear una animación. Dependiendo de la complejidad del proyecto, es posible que se requieran pasos adicionales.

La planificación es un paso crucial y la base de la producción de animación. Cuanto mejor sea la preproducción, más fluida será la producción propiamente dicha.

¿Qué son los storyboards o guiones gráficos de animación?

En animación, se realizan guiones gráficos para organizar visualmente la historia y el guion. Este es un paso esencial de la preproducción de animación.

Repasemos los principales objetivos de la creación de storyboards.

Objetivos

El storyboard o guion gráfico expresa visualmente la secuencia de tomas, los ángulos de la cámara, los movimientos de los personajes y la estructura general de la escena. Esto ayuda al equipo a compartir una misma visión del proyecto y facilita que todos los miembros avancen hacia la misma meta.

Proceso de producción

1. Crea el concepto y la estructura de la historia.
2. Escribe un guion que resuma los diálogos y las interacciones entre los personajes.
3. Crea un guion gráfico que exprese visualmente las escenas y tomas principales con imágenes y diagramas.
4. Prepara una versión preliminar basándote en las viñetas del guion gráfico y en los elementos de audio temporales.
5. Termina los diseños de los personajes, fondos y demás elementos basados en el guion gráfico.

Representación visual

Los guiones gráficos de animación permiten visualizar escenas clave de la historia. A partir de meros bocetos, los diseños se van perfeccionando hasta convertirlos en imágenes detalladas a medida que avanza la producción y sirven como referencia para la imagen final.

¡Importante!

El guion gráfico ayuda a los animadores y directores a discutir y finalizar la estructura y el flujo general de la animación. Esto ayuda a identificar posibles problemas y aspectos mejorables antes de que comience la producción de la animación a gran escala.

¿Por qué es importante la narrativa en la animación?

Veamos por qué la narrativa es importante en la animación.

1. Vínculo con la audiencia: Una historia bien elaborada atrapa al espectador y conduce al éxito comercial. Crea una conexión emocional con la animación a través de la inmersión y la empatía, y vincula a la audiencia con los personajes y la propia obra.

2. Memorabilidad: Es más probable que las historias bien elaboradas perduren en la mente de la audiencia.

3. Comunicación: Una narrativa sólida puede transmitir mensajes o temas complejos de una manera más digerible para la audiencia.

4. Impacto emocional: Las historias evocan diversas emociones en la audiencia. Una buena narrativa ayuda a los animadores a crear obras más atractivas emocionalmente para el público y a que la animación tenga más impacto.

De esta manera, la narrativa puede reforzar el vínculo con la audiencia y hacer que la animación sea más memorable.

Comprender los 12 principios de la animación es importante para cualquiera que trabaje en animación. Son el fundamento necesario para dar vida a personajes y objetos animados. Al dominar los principios, podrás adquirir las habilidades básicas para hacer que tus animaciones no solo sean visualmente atractivas, sino también emocionalmente convincentes.

¿Cuáles son los 12 principios de la animación?

Los 12 principios de la animación fueron introducidos por primera vez por los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro de 1981 titulado "Illusion of Life: Disney Animation". Las animaciones de Disney se han basado en estos principios desde la década de 1930. Aunque originalmente estaban destinados a la animación tradicional dibujada a mano, siguen siendo influyentes en la animación digital del presente.

Echemos un vistazo a los 12 principios de la animación uno por uno.

1. Estirar y encoger

Se refiere al cambio de forma de un personaje cuando se mueve.

2. Anticipación

Antes de que un personaje se mueva, dibujar un gesto anticipado puede hacer que el movimiento general parezca más natural.

3. Puesta en escena

Cuando un personaje se mueva, ajusta el fondo y el ángulo de la cámara para que el movimiento sea más perceptible.

4. Acción directa y pose a pose

La acción directa es un estilo de animación en el que los fotogramas se dibujan en orden. En cambio, en el estilo pose a pose, la primera y la última pose del movimiento del personaje se deciden primero, por lo que los fotogramas intermedios se dibujan más tarde.

5. Acción continuada y superpuesta

Este principio describe cómo ciertas partes del personaje siguen moviéndose después de que se detenga el movimiento de dicho personaje.

6. Aceleración y desaceleración

Una técnica para dar naturalidad a los movimientos iniciándolos y deteniéndolos progresivamente.

7. Arcos

Es el principio de dibujar trayectorias de movimiento como arcos.

8. Acción secundaria

Cuando un personaje se mueve, otras partes del personaje realizan movimientos secundarios, los cuales pueden reflejar aspectos como los sentimientos del personaje.

9. Noción del tiempo

Una técnica que hace que el movimiento de los personajes parezca más natural ajustando la velocidad o el espacio del movimiento.

10. Exageración

Una técnica que dramatiza el movimiento exagerando los gestos del personaje.

11. Dibujo sólido

Una técnica que da realismo a los personajes y objetos al representar sus formas y texturas en movimiento.

12. Personalidad o apariencia

Consiste en hacer que el personaje en movimiento sea capaz de cautivar al espectador y conectar con él.

Estos principios son fundamentales para el contenido visual con movimiento, y se consideran la guía definitiva para crear animaciones de personajes atractivas y convincentes.