Cómo crear una animación art nouveau (vídeo)

¡Hola! Me llamo Michelle y, como estudiante de animación, siempre me gusta experimentar con distintos estilos y explorar nuevos horizontes con mi trabajo. 

La obra que crearé hoy estará basada en la siguiente pregunta: ¿cuál sería el resultado si llevásemos el arte modernista a la animación?

Para ello, voy a utilizar Clip Studio Paint EX, ya que incluye herramientas de animación más versátiles en comparación con la edición PRO. Para el acabado, usaré Adobe After Effects.

Encuentra la inspiración

Cuando tengo un bloqueo creativo, intento recopilar o estudiar material que pueda servirme como referencia. En mi opinión, analizar las decisiones creativas de otras personas puede serte de mucha ayuda, ya que te invita a salir de tu zona de confort.

Mi principal fuente de inspiración es Alfons Mucha, un artista checo que vivió en París durante el movimiento del modernismo o art nouveau. Sin embargo, en su momento prefirió desvincularse de dicho estilo porque buscaba que su arte fuese atemporal y no meramente como el arte de moda de la época.

Sin duda alguna, lo consiguió, porque más de un siglo después sigo admirándolo por la elegancia extraterrenal de su arte.

↓ Estudio de Rêverie (1897) Alfons Mucha

Si bien no voy a seguir al pie de la letra todos mis apuntes, los estudios previos me sirven para ordenar mis ideas.

Fíjate en los elementos que tomo de la obra de Mucha: líneas asimétricas y fluidas, detalles en abundancia y composiciones elegantes.

Como puedes observar, a pesar de la gran cantidad de detalles, la vegetación sigue un orden lógico.

Si bien las plantas tienen su propio espacio, se adaptan a la forma principal, lo que refuerza la sensación de fluidez.

Una de las características que más me gustan de Clip Studio Paint es, sin duda, la sensación de usar sus pinceles.

Casi todos dibujan trazos muy naturales afinando los extremos y reflejan la presión a la perfección.

Algunos de mis pinceles favoritos son el “Lápiz realista”, la “Témpera seca”, el “Pincel plano de pintura óleo”, la “Témpera” y la “Témpera de mezcla”.

↓ Estudio de Otoño (1896) Alfons Mucha

Preajustes y atajos

Clip Studio Paint funciona muy bien para crear bonitas animaciones cortas, aunque no está tan optimizado como los programas dedicados exclusivamente a la animación.

La solución es tan sencilla como configurar algunos atajos que te faciliten el trabajo:

Flujo de trabajo

Tras terminar mi boceto, preparé varias versiones con distintas paletas de colores para ver varias opciones.

Al final me quedé con el dorado oscuro con reflejos blancos, ya que me pareció la más clara y armonizada. Los colores más cálidos, agrupados en el centro, atraen al instante la mirada hacia el punto focal.

Técnica de animación

¡Toca animar el dibujo!

Suelo empezar pensando en qué método usar para planificar mi animación: ¿acción directa o pose a pose?

En pocas palabras, la acción directa se refiere a animar cronológicamente, mientras que pose a pose significa planificar tu animación usando fotogramas claves y transiciones antes de añadir los fotogramas intermedios.

Un error común es creer que un método es mejor que el otro. Quiero dejar claro que esta afirmación no debe tomarse al pie de la letra, ya que el propósito de cada método es diferente. De hecho, para este proyecto, voy a utilizar ambos.

La animación se desarrollará en dos partes:

En primer lugar, trabajaré en la cabeza, el cuerpo y las extremidades con el método pose a pose. El movimiento es calculado e intencionado, por lo que se beneficiará de un enfoque más estructurado.

Después, animaré el pelo con el método de acción directa, ya que su movimiento es fluido e impredecible.

Sin más preámbulos, aquí están mis fotogramas clave, transiciones y fotogramas intermedios para la cabeza y el cuerpo.

Fotogramas clave

Transiciones

Fotogramas intermedios

Ejemplo de capas organizadas en la línea de tiempo.

Cómo representar movimientos 3D en 2D

Para mí, la parte más difícil ha sido animar el giro de la cabeza.

¿Cómo transmito un giro complejamente tridimensional en una superficie bidimensional?

En un objeto esférico, los elementos más cercanos al centro parecen moverse distancias mayores que los de los bordes, ya que se desplazan hacia ti y luego se alejan de ti.

Así que, en mi personaje, espero ver (ligeramente) más movimiento en los ojos que en la parte superior de la cabeza o la barbilla. 

La explicación es bastante técnica, así que el segundo y mejor consejo que puedo darte es que te observes en el espejo. Fíjate en cómo cambia la forma de tu mandíbula al mirar hacia arriba y cómo se abren tus párpados al mirar hacia abajo.

Estos pequeños detalles, en conjunto, marcan la diferencia, sobre todo cuando estás animando una acción lenta y sutil.

Animación del pelo

Con la cabeza lista, toca pasar al pelo.

Su forma, al ser tan compleja, intimida un poco, pero la clave para gestionar esta complejidad es saber dividir los elementos.

Empecé trabajando con la forma más grande.

Experimenté con el viento ondeando su pelo de lado a lado, pero la dirección del movimiento no terminaba de convencerme para esta obra.

En mi segundo intento, exploré una dirección distinta para el viento: desde el centro hacia el exterior, algo que terminó funcionando mejor con mi composición simétrica.

También quería que la fuerza del viento aumentara a medida que mi personaje miraba hacia arriba para dar más impacto a sus pequeñas acciones.

A continuación, empecé a subdividir la forma más grande en partes más pequeñas; esta vez considerando cómo se mueve cada mechón por separado.

Ahora que ya sé cómo quiero que sea mi animación, paso a limpiar las líneas.

Color

Vamos a perfeccionar la paleta de colores que elegimos antes.

Colorear puede ser muy repetitivo y requerir de mucho tiempo, así que, para facilitarme el proceso, voy a intentar moderarme un poco con los detalles.

En las obras de Mucha, por ejemplo, me he dado cuenta de que se suele detallar mucho el rostro y dejar todo lo demás plano.

A pesar de ello, sus obras no parecen incompletas, ya que el rostro es el punto focal más importante. Del mismo modo, no hace falta que detalle todo para que mi obra parezca completa.

Al trabajar en esta fase, también terminé el fondo.

He dejado los tallos en capas separadas para animarlos más tarde.

Pasemos ahora al coloreado.

Por lo general, creo una nueva capa para cada nuevo color agregado, ya que así es mucho más fácil aplicar cualquier modificación después si todo está separado.

Y sí, esto implica trabajar con muchas capas.

Abajo del todo, tengo la capa base.

Todas las capas superiores son una copia de la capa base con los brazos recortados.

Así no tengo que volver a dibujar y rellenar las partes que ya están terminadas.

Después, añado algunas sombras, una capa para la mano y otra para las hombreras.

He creado una capa para la cabeza y varias capas para cada detalle pintado en su rostro.

Lo mismo se aplica a su pelo.

Por último, creo una capa para las sombras de su forma, otra para sus sombras proyectadas y otra más para la espada.

Tras combinarlo todo, este es el resultado:

Composición en Adobe After Effects

Ya casi hemos terminado.

El paso final para mejorar nuestra obra será darle algo de movimiento a las plantas.

Vamos a exportar nuestras capas para trabajar con ellas en After Effects.

Para ello, nos dirigimos al menú Archivo > Exportar animación > Secuencia de imágenes.

En la ventana emergente de Ajustes de exportación de la secuencia de imágenes, selecciona PNG como formato de exportación para mantener el fondo transparente.

Después, acepta.

Importa la secuencia de imágenes a Adobe After Effects.

Para mover las plantas que rodean al personaje, voy a usar un efecto llamado Deformación con ondas (o Wave Warp) que se encuentra en la categoría “Efectos y ajustes preestablecidos”.

Experimenté con los valores de la interfaz de la izquierda hasta dar con el movimiento que buscaba.

He ajustado la altura, la anchura, la dirección y la velocidad de las ondas.

Puede que termines con un resultado similar.

El siguiente paso es darle brillo a la espada.

El proceso es muy sencillo: empieza creando una copia de la capa de la espada.

A continuación, aplica un ligero Desenfoque gaussiano, el cual también se encuentra en la categoría “Efectos y ajustes preestablecidos”.

Por último, experimenta con los modos de fusión.

En mi caso, para agregarle el resplandor a la espada, he utilizado el modo Añadir.

Puedes elegir el modo de fusión haciendo clic derecho en el archivo de imagen que quieras editar.

Animación final

Este es el resultado final:

Muchas gracias por acompañarme hasta el final.

Soy consciente de que el proceso puede resultar intimidante para quienes aún tienen poca experiencia, pero quiero dejar claro que este es el resultado de años de conocimiento acumulado y de mucha experimentación fuera de mi zona de confort.

Si aún estás dando tus primeros pasos, te recomiendo encarecidamente que explores distintos tipos de arte de diferentes épocas y orígenes y que estudies aquellos que más admires.

Este tipo de ejercicios son los que más me han ayudado a dar forma a mi arte.

¡Te deseo lo mejor con tus futuras animaciones!