Traslada tus técnicas de pintura tradicional al arte digital

 

Introducción

En este tutorial, aprenderás a trasladar diversas técnicas tradicionales a un lienzo digital, además de ver cómo afectan a la tridimensionalidad de la obra y a las sensaciones que produce. En este contexto, describiré el significado, el efecto y las formas de replicar estas técnicas de pintura analógica en formato digital. También veremos cómo los distintos enfoques de las pinceladas pueden afectar al espectador. Por último, describiré el resultado final y la importancia de estas técnicas, que se basan en la técnica bravura para dar pinceladas.

 

Preparación

No se necesitan grandes conocimientos técnicos empezar a experimentar con lo que que explico en este artículo. Sin embargo, si manejas bien los ajustes básicos de los pinceles y las capas de CLIP STUDIO PAINT (o de tu software de dibujo favorito), podrás interiorizarlo mejor.

 

Si aún no tienes mucha experiencia con CLIP STUDIO, te recomiendo esta serie de tutoriales básicos:
Consejos para pintar y ajustar los pinceles de acuarela realista

 

Introducción

El tema, el medio y el estilo son los tres pilares fundamentales del dibujo y la pintura. Pero al trabajar en formato digital, dos de los tres pilares mencionados están muy interrelacionados, lo que provoca confusión. Estoy hablando del medio (los pinceles) y del estilo (la aplicación).

 

Muchos de los programas digitales modernos ofrecen diversas maneras de emular los medios tradicionales, ya que los pinceles suelen disponer de texturas y puntas personalizables. No obstante, los pinceles por sí solos no son suficiente para reproducir los sentimientos y las expresiones que el artista tiene en mente.

 

Esto se debe a que solemos olvidar que el estilo pictórico no depende únicamente del pincel, ya que las técnicas utilizadas y la experiencia también juegan un papel muy importante. Basándome en este principio, destacaré algunas técnicas que, en combinación con el medio adecuado y algo de práctica, nos ayudarán a dar más tridimensionalidad a nuestras obras.

 

Definición y gestos

La primera técnica analógica que debemos entender y trasladar al arte digital es el gesto, ya que un dibujo es mucho más que la copia de un escenario real o la recreación de una idea. La asociación de la idea con el movimiento marca la diferencia entre un cuadro notable y una obra maestra.

 

Aprender a integrar los gestos al dibujar te ayudará a entrenar más rápidamente tu vista y tus manos, mejorando tus composiciones y tu dinámica visual.

 

Las siguientes tres reglas te servirán de base para los gestos:

 

1. Crea siempre pequeñas composiciones de menos de 800 px con pinceles más grandes (de un 50 % a un 200 % mayores) que los que usas normalmente.

Gracias a este ejercicio, podrás dibujar el boceto con mayor dinamismo y lograrás entrenar tu memoria muscular sin apenas esfuerzo.

 

 

 

2. Pinta los fondos siguiendo siempre el mismo método: pinceles con puntas definidas para pintar el sujeto y pinceles con puntas suaves para el resto.

Esta regla es muy importante, pues genera contrastes, jerarquía y puntos focales en la imagen.

 

 

3. Da siempre volumen con tus líneas.

Debes intentar dibujar los detalles poco a poco en cualquier situación, pues los trazos arbitrarios tan solo dificultan la visión de la obra. Hay mucha gente que se pierde cuando le toca trabajar en el volumen. Para que no te pase y puedas agilizar el proceso, es importante que crees un patrón mental para cada uno de tus trazos. John Singer Sargent era conocido por su increíble habilidad para plasmar esta norma en sus lienzos.

 

 

Colores vivos

Esta técnica de pintura al óleo sigue siendo relevante en el arte digital. En su origen, era un limitante autoimpuesto que se le llamaba por el nombre de “grueso sobre fino”. Sin embargo, terminó teniendo otros efectos muy notorios en las pinturas en las que se aplicaba, especialmente en la viveza del color.

 

La viveza de los colores digitales funciona, en pocas palabras, de la siguiente manera: Al pintar, las capas superiores deben contener siempre los colores más intensos. Cuanto mayor sea la saturación y la cantidad de ese color en las capas superiores, más destacará la imagen y fluctuará su contraste. Es muy importante que complementes tu composición con esta regla, ya que terminará teniendo un efecto positivo tanto en tu forma de pintar como en tu paleta de colores.

 

 

 

Pintura y textura

El impasto es una técnica tradicional avanzada que añade una expresión casi escultural y tridimensional a las pinturas. Se puede recrear digitalmente para mejorar los efectos de la pintura y las texturas.

 

La emulación del impasto en formato digital requiere un enfoque sin transparencias y el uso de la opacidad sobre pinceles opacos. Las témperas y los pinceles acrílicos predeterminados son ideales para este trabajo.

 

Al trazar exactamente una misma línea con un pincel opaco más pequeño sobre la línea de mayor tamaño, conseguiremos fortalecer el efecto. Podemos mejorarlo aún más intercalando una capa intermedia con un trazo totalmente negro justo antes de usar el segundo color.

 

Por último, una capa inferior con negro puro también podría afectar positivamente al impasto, ya que definirá mejor los volúmenes. Van Gogh lo hacía frecuentemente para construir sus lienzos.

 

 

Pintura y contraste

La adición de iluminación dramática en los medios tradicionales nació de la necesidad de mostrar detalles como fuertes contrastes entre las fuentes de luz. Es un método muy impactante y que puede explicarse como un sombreado direccional o volumétrico.

 

Para plasmar este efecto en un lienzo digital, se necesitan pinceles semitransparentes y aplicar trazos sucesivos en cada lado con un tono de color fijo, cálido y de temperatura baja (rojo, naranja o amarillo).

 

Dado que el modelado de la luz no afecta directamente al color, es la forma más sencilla de elaborar pinturas rápidas e interesantes, ya que solo se necesitan pequeñas variaciones en la gradación de la luz para que se hagan notar, y no variaciones complejas de trazos degradados.

 

 

Bravura

Bravura significa “virtuosismo” en italiano. Probablemente es lo que la mayoría pensamos de las obras de Velázquez, Tiziano, Vermeer, Goya o Caravaggio, por ejemplo. Describe ese sentimiento inmediato de asombro que tanto nos cuesta explicar correctamente. De entre todas las cualidades que los artistas se esfuerzan por alcanzar, esta es la que más valor tiene.

 

El principio subyacente de una pincelada de bravura es el uso intencionado del conocimiento pictórico. Este ideal está grabado en cada aspecto que he enumerado arriba. Intenta replicar siempre estas técnicas y terminarás interiorizando adecuadamente el concepto de bravura y su profundidad. Es una forma fundamental y natural de dar vida y personalidad a tu obra, independientemente de la longitud de tu carrera como artista.

 

 

 

 

 

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