Cinco formas de mejorar tu técnica

 

Primero vamos a ver cómo preparar una obra y practicar la composición. Esta etapa importante permite evitar el síndrome de la página en blanco y de crear ilustraciones con presencia. Después, describiré cómo construir un dibujo y te enseñaré un ejercicio sencillo con el que perderle el miedo a la perspectiva. Por último, compartiré algunos consejos que te ayudarán a evolucionar constantemente como artista.

 

Imagen final

 

Line art

 

1. Lluvia de ideas

El punto de partida es la solicitud de tu cliente. Su idea puede ser muy general (ej.: un caballero) o muy precisa (ej.: un caballero oscuro de ojos verdes y armadura dorada empuñando una espada demoníaca). Ambas situaciones cuentan con sus ventajas y desventajas. Una vez que llegas a un nivel profesional, el síndrome de la página en blanco deja de ser una opción, pues tu trabajo es transformar palabras e ideas en una ilustración. Y para ello siempre puedes acudir a las lluvias de ideas.

 

Escribe una palabra clave para tu dibujo en medio de una hoja y rodéala con un círculo o enmárcala para destacar su importancia. Después, anota todo lo que se te ocurra relacionado con la temática. Al trasladar tus ideas al papel, consigues organizarlas mejor y asegurarte de que no se te olvidan. Para este artículo, he elegido el tema “Hechicero cérvido” y he esquematizado todo lo que se me ha ocurrido en la lluvia de ideas. Cada una de estas palabras es una fuente de inspiración. Tras conectarlas, consigo construir y desarrollar la historia. Una vez que tengo listos los suficientes elementos, empiezo a dibujar.

 

Lluvia de ideas esquematizada

 

Te aconsejo tener a mano un bloc de dibujo. Este será tu laboratorio. Intenta que sea agradable, caótico y animado. Ese es el primer consejo que doy a todos mis alumnos. Dibuja todo aquello que quieras cuando te apetezca. Puede ser una calle rutinaria, una pareja sentada a dos mesas de ti en un restaurante, objetos cotidianos o simplemente bosquejos de los proyectos que tienes en curso. En mi caso, varios intentos de composición para mi brujo venado.

 

La preparación también implica conseguir material de referencia. Busca imágenes en Internet que contengan elementos relacionados con tus ideas para mejorar tu dibujo. El objetivo de esta labor de documentación no es copiar, sino inspirarse. Por ejemplo, en lugar de copiar directamente un ciervo de una fotografía, recopilo varias imágenes reales de druidas y cérvidos para inspirarme y lograr la composición de mi personaje. Por lo general, evito incluir dibujos en mis imágenes de referencia para que no influyan en el mío más de lo necesario. Es preferible utilizar fotografías reales.

 

2. Puesta en escena

Lo que llamamos “composición” es la forma en la que guiamos la mirada del espectador con el fin de desencadenar una emoción o una idea. A los estudiantes se les suele enseñar la regla de los tercios. Si la desconoces, puedes consultar alguno de los muchos tutoriales online que abarcan este tema. Sin embargo, yo suelo advertir a mis alumnos de que esta regla por sí misma es incompleta y que suele derivar en composiciones redundantes. En su lugar, prefiero que aprendan las tres bases fundamentales de la composición: el contraste, el detalle y las líneas de acción.

 

Líneas de acción

 

El contraste marca la diferencia entre los diversos elementos. Cuanto más significativa sea esta diferencia, más cautivará al espectador. Por ejemplo, un punto blanco en una página totalmente negra atrae inmediatamente la mirada, igual que un haz de luz en un ambiente oscuro. Por el contrario, si prevalece la luz, nos fijaremos instintivamente en los rincones oscuros. Esto también se aplica a nuestra vida cotidiana: nos llamará más la atención un niño en un ambiente adulto o un anciano en una guardería. En mi imagen reina la oscuridad, por lo que tu mirada se dirigirá principalmente a las zonas iluminadas.

 

El detalle es una forma interesante de llamar la atención, aunque depende del contraste. Debes trabajar cuidadosamente la mirada de tus personajes si quieres destacar sus rostros. Si la escena está excesivamente detallada, intenta vaciar un poco las zonas de mayor relevancia.

 

Por último, tenemos las líneas de acción, que son un elemento imaginario. Si muchas líneas de acción convergen hacia una misma zona, esta atraerá inevitablemente la mirada. Por ejemplo, en mi imagen puedes apreciar cómo las nubes y la propia perspectiva conducen hasta el monumento megalítico, la fuente de la magia.

 

Para interiorizar estos conceptos, puedes observar algunas de tus obras favoritas (ilustraciones, cómics, mangas, storyboards de películas…) y responder las siguientes preguntas:

¿Qué zonas contrastan entre sí? ¿Cómo?
¿Dónde se concentran los detalles?
¿Dónde están las líneas de acción?

 

Analizando la mecánica de tus artistas preferidos conseguirás mejorar tu expresividad frente al lienzo. Intenta hacerte de forma rutinaria este tipo de preguntas cuando estés trabajando en un proyecto. Estudia tu arte como si fueses un espectador ajeno a él; determina lo cerca o lejos que te encuentras del corazón de la escena.

 

Composición

 

Aquí tienes un truco para concentrarte en lo más importante: dibuja viñetas pequeñas de unos 5 cm de largo para decidir la composición. Si esta funciona en un tamaño reducido, también lo hará en uno mayor.

 

Decidí usar la composición que muestra el hechicero desde más cerca para que el espectador pueda sentir el poder mágico proveniente del megalito tanto como el propio mago. En realidad no hay una peor o mejor elección. Lo importante es que la composición consiga expresar lo que decidiste durante la lluvia de ideas y que satisfaga tus preferencias.

 

3. Construcción de la forma

La forma en el dibujo es un aspecto crucial. Debes construir correctamente las líneas de acción y el volumen de la escena siguiendo la composición. Para ello, es necesario practicar primero las perspectivas. Los principios de la perspectiva no es algo que se pueda resumir en un párrafo. Mi consejo es que practiques todo lo que puedas en tu bloc de dibujo. Primero, dibuja un objeto cotidiano que tengas a la vista, como una silla, una taza o un mueble. Una vez que te hayas acostumbrado a este tipo de elementos simples, puedes pasar a dibujar algo más complejo, como una farola o un mando de consola. El objetivo de este ejercicio es deconstruir el objeto en formas geométricas básicas. Dibújalo en varios ángulos distintos. La simplificación del objeto puede complicarse en ciertas situaciones. Intenta utilizar únicamente cubos, prismas rectangulares, pirámides, cilindros y esferas.

 

Construcción inicial

 

Construcción avanzada

 

¡No olvides practicar a diario! Ya verás como en un abrir y cerrar de ojos conocerás la perspectiva y la composición como la palma de tu mano.

 

4. Comprensión anatómica

Tras terminar con la forma, puedes pasar a dibujar. Aquí tus mejores aliados serán la anatomía y el diseño, así que estúdialos bien.

 

Con diseño me refiero a comprender cómo se construyen e interactúan las elementos entre sí. Por ejemplo, las puertas se unen a su soporte de una determinada para que se puedan abrir y cerrar sin contratiempos. Aquí también entraría la correcta asignación de las proporciones de nuestros personajes.
En cuanto a la anatomía, se trata de uno de los aspectos probablemente más importantes y divertidos del dibujo. Tras dominar la anatomía humana, podemos pasar a estudiar el zoomorfismo, el antropomorfismo y el diseño de criaturas.

 

Anatomía

 

Para empezar, analiza el esqueleto humano, sus proporciones y su mecánica. Analiza cada hueso y sus habilidades motoras, empezando por el cráneo y la mandíbula. Si logras dibujar un cráneo humano con las proporciones adecuadas y en distintas perspectivas, el resto será coser y cantar. Ten cuidado con la peculiar forma de la pelvis para representar el dimorfismo sexual, ya que las principales diferencias entre el sexo masculino y el femenino residen en las proporciones óseas (además de en los aparatos reproductores, claro). Lo mejor es que te estudies bien todos los huesos para poder dibujarlos con precisión. Tras asimilar estos conocimientos, estudiar los músculos será mucho más fácil y llevadero. Imagina que son las cuerdas que controlan la mecánica ósea. Si comprendes dicha mecánica, comprenderás también el porqué de la posición de cada músculo. Al aplicar tus conocimientos anatómicos en tus dibujos o al diseñar un personaje, intenta concentrarte principalmente en las proporciones. Si son las correctas, tu personaje será creíble.

 

Line art

 

5. Color

Antes de dar color a tu imagen, hazte esta pregunta: ¿dónde se origina la fuente de luz? Es una pregunta tan típica y necesaria que hasta se ha convertido en un meme.

 

Colores base

 

Para responder a esta pregunta, te sugiero que complementes el ejercicio de perspectiva anterior usando como fuente de luz el flash de tu smartphone o una linterna. Coloca la fuente cerca de tu objeto de referencia y observa el comportamiento de la luz. Fíjate en que este varía dependiendo de su posición y forma. Por ejemplo, la luz tiende a extenderse uniformemente en las superficies planas, pero se atenúa en las formas redondas.

 

Conocer la teoría del color también es de suma importancia. Si comparas dos dibujos, normalmente destacará más el que esté coloreado. Se pueden decir tantas cosas sobre los colores, que no costaría nada llenar toda una biblioteca con libros del tema. Es imposible resumirlo en un solo artículo, pero espero que este tutorial te aclare alguna que otra duda. Lógicamente, comencé rellenando todas las formas con tonos oscuros para representar la noche. Después, pinté una luz intensa en una capa con el modo Normal y las sombras en una capa con el modo Multiplicación. Al agregar los claroscuros, se deben cumplir dos objetivos. En primer lugar, tienen que ayudar a determinar la atmósfera. Es nuestro caso, sería de misticismo. Y en segundo lugar, deben expresar correctamente el volumen de los elementos de la escena. Este aspecto suele causar más de un dolor de cabeza a los principiantes. Para progresar más rápido, te aconsejo que empieces con pequeños objetos independientes en lugar de con escenas completas. Tras varias sesiones prácticas, manejarás mucho mejor este paso, y hasta es posible que se termine convirtiendo en tu favorito, como lo es para cualquier artista veterano de la industria.

 

Imagen final

 

Síntesis

Para terminar, voy a intentar resumir la información más importante de este artículo.

 

– ¡No vayas directamente a por el lápiz! Dedica algo de tiempo a una lluvia de ideas previa para dar con ideas potenciales para tu proyecto. Y no olvides reunir también material de referencia.
– Compra un bloc de notas y dibuja en él con regularidad. ¡Mejorarás tus habilidades de dibujo rápidamente de una forma práctica y divertida!
– Estudia tus obras favoritas ye intenta simplificarlas en formas básicas para practicar la composición. Puedes aprender mucho con estos ejercicios de reproducción.
– Entrena la perspectiva dibujando objetos desde distintos puntos de vista. Empieza simplificándolos primero en formas geométricas básicas. Ve detallándolos y sombreándolos más y más conforme te vayas acostumbrando.
– Estudia la anatomía. Analiza la estructura ósea antes de pasar a la muscular.

 

El dibujo y el arte te harán vivir todo un periplo que estimulará constantemente tu curiosidad a lo largo de tu vida. Sé paciente y muestra humildad. Ve poco a poco e intentar mejorar día tras día. Mi último consejo es que intentes mostrar tus trabajos al mundo para recabar todas las críticas posibles y usarlas a tu favor para progresar. No temas a las opiniones de los demás. Aun si en ocasiones son hirientes, te ayudarán a mejorar como artista.

 

¡Te deseo la mejor de las suertes en esta artística odisea!

 

 

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