Dibujar bien – Parte III

 

¡Espero que mis consejos te sirvan y te ayuden a enfocar tus dibujos desde nuevas perspectivas! Si quieres recomendarme algún tema en particular para futuros artículos, no dudes en enviarme un correo electrónico a ink-pop (arroba) the-wired.de. Dicho esto, ¡demos ya el pistoletazo de salida!

 

Parte I

Parte II

 

En la tercera parte de esta serie de tutoriales abordaremos la elección del color y el coloreado digital.

 

Dado que estamos trabajando en un entorno digital, tenemos millones de colores entre los que elegir. Suena genial, ¿a que sí? ¡Prácticamente todos los colores existentes al alcance de nuestra mano y sin necesidad de comprarlos de uno en uno! Sin embargo, esta cifra casi infinita también puede resultar intimidante y hasta abrumadora cuando no sabes qué colores usar para tu dibujo.

 

Como ya mencioné en la primera parte, un cliente me encargó esta ilustración de portada, así que preparé varias versiones para que pudiera elegir su favorita.

 

 

Versión 1: Al pensar en una portada para un manga, mucha gente se imagina una imagen de colores vivos, así que he intentado llevar la saturación al límite.

 

Versión 2: Aquí he hecho justo lo contrario que en la primera. No he saturado tanto los colores, así que la impresión que produce es más delicada.

 

Versión 3: He usado una mezcla de colores vivos y pastel. ¡Yo me quedaría sin duda con esta!

 

Y ya solo queda esperar. ¿Qué versión elegirá…?

 

 

¡Al final se escogió la versión tres! Arriba puedes verla con un fondo abocetado. Pasemos ahora a analizar por qué esta imagen resultaba ser también mi favorita:

 

1) Soy superfan de los colores complementarios: azul–naranja, amarillo–violeta y rosa–azul.

 

2) Los ojos con colores saturados embellecen sobre todo los rostros claros (en este caso, el de la chica).

 

3) El notable tamaño del área roja de la imagen hace que esta destaque positivamente desde el primer momento (¡es un color de señal!)

 

Ten siempre en cuenta las sensaciones que quieres que transmita la ilustración. El color azul representa frescura o ligereza y el rojo poder o pasión, por ejemplo. La psicología que involucra la percepción de los colores siempre juega un papel muy importante.

 

 

Lo siguiente es crear en el lienzo una paleta final de colores con el cuentagotas digital. Estos colores se denominan “muestras”. Con pintura al óleo real sería más complicado, ya que se habrían formado pequeños montones de colores en lugar de una paleta limpia.

 

Al elegir los colores de la paleta, también es importante no perder de vista los colores primarios (¡porque hay millones!). Creo que la paleta resultante es muy versátil, así que no dudes en usarla si no encuentras los colores idóneos para tu dibujo.

 

Si te fijas en las muestras alineadas verticalmente, verás que los cambios entre estas son sutiles. Esto le da armonía a la imagen. También aprovecho para definir las variaciones en los claroscuros de cada color, ya que ahora toca empezar a cerrar los cabos sueltos.

 

 

No, aún no me he vuelto loca. Las líneas y las “gotas de nieve” tienen un propósito.  Antes de que empieces a sombrear tu dibujo, ten en cuenta lo siguiente:

 

• A la hora de pintar personajes humanos, piensa en ellos como elementos tridimensionales. Yo he intentado imaginar hilos rosas envolviendo a nuestra pareja para ver cómo se adaptan al cuerpo dependiendo de las formas. Por ejemplo, la cabeza sería una esfera y las piernas cilindros. Estudia bien la ubicación de las sombras de la misma forma.
• Siempre hay una fuente de luz principal, así que he usado estas manchas blancas para indicar las áreas donde la luz impacta primero. Como verás más adelante, estas no son reglas absolutas que siga a rajatabla, pero sí que son de mucha ayuda en caso de que tengas dudas sobre dónde colocar los reflejos y las zonas con más luz.

 

A la hora de dar color, me gusta usar las acuarelas de mis programas de dibujo, ya que la sensación es muy similar a la de trabajar con acuarelas reales.

 

 

Con este tipo acuarelas digitales es muy fácil crear transiciones tanto definidas como suaves, dependiendo de la intensidad con la que presiones el lápiz.

 

 

Vamos avanzando en la imagen. Personalmente, siempre empiezo pintando los tonos de la piel. En este caso, los lugares en los que impacta directamente la luz del sol, como las mejillas de la chica, muestran una mayor saturación, mientras que las áreas sombreadas, como el cuello de la muchacha, presentan tonos más grisáceos.

 

 

Algunos artistas pintan todo en una sola capa, pero yo prefiero separarlo todo (a veces termino usando más de 80 capas…). Para organizarlas mejor, te recomiendo que les des un nombre que describa su contenido.

 

Seguramente haya momentos en los que entres en pánico al imaginar la cantidad de trabajo que aún te queda por delante, pero debes aprender a mantener la calma en cualquier situación, aun si partes de tu trabajo no resultan como esperabas a la primera.

Descansa siempre que lo necesites y no dudes en pedir consejo a otras personas si te surge alguna duda. Si dibujas como afición, tienes aún menos motivos para sufrir. Y no hay nada de malo en pedir ayuda, así que no dejes que estas cosas te afecten.

 

Tras un par de días de trabajo, este es el estado de mi dibujo:

 

 

Echemos un vistazo a algunos de los detalles:

 

1. Si te fijas bien, verás que en el cuello del chico, además del color de su piel, también he usado algo del de la camisa. Las áreas con colores vivos normalmente reflejan parte de su color en las zonas circundantes. Otro ejemplo: en los tobillos de la chica también se puede apreciar el reflejo rosado de la falda.
2. He usado tanto sombras suaves como definidas en el brazo y las piernas del personaje femenino. Tu forma de sombrear puede aumentar mucho la calidad de la imagen y hasta guiar los ojos del espectador. La verdad es que este es uno de los campos en los que más me gustaría mejorar.
3. Este detalle se nota más en la falda. Como puedes ver, no es necesario perfilar cada una de las arrugas. Las telas suaves como las de esta falda suelen quedar mejor con una pintura más básica.

 

El color es una materia muy amplia y fascinante, especialmente cuando empiezas a estudiar los claroscuros. ¡Espero que hayas disfrutado de esta breve lectura! En la última parte de mi serie de tutoriales SWD, hablaremos del diseño del fondo y de sus nubes. Además, te confesaré algunos de mis mejores trucos, ¡así que no te la pierdas! ¡Hasta entonces!